Dit zijn de meest schokkende films

De meest schokkende films:

De meest schokkende films: We vinden het heerlijk om geweld op het scherm te zien. Van de shenanigans van Looney Tunes-tekenfilms tot de Avengers die Thanos in elkaar slaan in een kaskraker met vier kwadranten, bioscoopbezoekers krijgen een kick als mensen een kick krijgen.

Misschien is het een daad van plaatsvervangende catharsis; misschien is het omdat we weten dat het allemaal nep is, wat ons “toestemming” geeft om ervan te genieten; misschien komt het doordat de werkelijke inzet, zowel in als buiten de tekst, zo laag lijkt.

Er is een subgroep van cinema die geïnteresseerd is in het verkennen van het extreme, het profane, het taboe, het verontrustende. Een filmmerk dat de kijker brandt, hun hersenen verschroeit met onvergetelijke beelden en ontleding van de meest basale en perverse menselijke impulsen – impulsen die misschien iets gemeen hebben met de meer ‘gezuiverde’ vorm van schermgeweld die we acceptabel vinden.

Sommige van deze films zijn gemaakt om te choqueren met lege provocaties; sommigen hebben in hun kern iets echts te zeggen; ze zullen je allemaal schoken. Hier zijn dan de meest schokkende films aller tijden, een lijst van transgressieve cinema die je met een schrikbeeld en ineenkrimpen zal achterlaten. Kijk op eigen risico.

A Serbian film

  • Regisseur: Srđan Spasojević
  • Schrijvers: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević
  • Cast: Srđan Todorović, Sergej Trifunović, Jelena Gavrilović, Slobodan Beštić, Katarina Žutić

De meest schokkende films: A Serbian Film – De botheid van de titel van deze film zou je moeten wijzen op de botheid van de inhoud. A Serbian Film plaatst heel Servië in het vizier, waarbij de regisseur Srđan Spasojević expliciet niet alleen commentaar geeft op de bredere implicaties van het leven in een door oorlog verscheurde, fascistisch neigende samenleving en regering, maar ook op de specifieke hypocrisie van deze zelfde overheidsfinanciering van de burgerij.

‘Veilige’ films die proberen hun eigen gruweldaden te vergoelijken. Om dit punt duidelijk te maken, hebben Spasojević en co-schrijver Aleksandar Radivojević een plot gemaakt dat ons langs het punt van de onderwereld voert. De gepensioneerde pornoster Miloš (Srđan Todorović) heeft moeite om voor zijn gezin te zorgen. Dus, ondanks zijn betere instincten, stemt hij ermee in om te schitteren in een kunstzinnige pornofilm van een provocerende auteur (Sergej Trifunović). Maar de methoden en onderwerpen van de regisseur omvatten het kalmeren van Miloš tot een staat van catatonie en hem dwingen om onuitsprekelijke dingen voor de camera te doen.

En als ik zeg “onuitsprekelijk”, ben ik niet hyperbolisch. Taboes met betrekking tot seksueel geweld, necrofilie, incest en pedofilie worden met onophoudelijke details belicht, waardoor de film onmiddellijk een gevoel van bekendheid krijgt op het festivalcircuit. Het uiteindelijke shot en de genomen beslissing zijn puur slecht.

De meest schokkende films: Audition

  • Regisseur: Takashi Miike
  • Schrijver: Daisuke Tengan
  • Cast: Ryo Ishibashi, Eihi Shiina

Takashi Miike is een buitengewoon productieve regisseur, wiens meest beruchte films zoals Ichi the Killer en Visitor Q de kijker regelmatig doordrenken met fantasierijke ingewanden en psychologisch straffende taboes. Waarom haalt Audition de cut over zijn vele andere films? Gedeeltelijk vanwege zijn borderline-wrede lokaas-en-switch.

Auditie begint met het uitgangspunt en de toon van een licht romantisch drama – Shigeharu Aoyama (Ryo Ishibashi) is een eenzame weduwnaar die net op zoek is naar een nieuwe liefde. Op advies van zijn vriend (in de vorm van een filmproducent) (Jun Kunimura), begint Aoyama vrouwen letterlijk “auditie te doen” om mogelijk zijn liefde te zijn, en valt hij onmiddellijk voor Asami Yamazaki (Eihi Shiina).

De twee beloven diepe, melancholische gevoelens van liefde voor elkaar. En dan …  wordt het raar. Miike’s switch-flip slaat je in het gezicht en dwingt je om het inherente problematische uitgangspunt van de film en het inherente seksisme dat is ingebakken in daten, romantische bezigheden en zelfs de filmindustrie onder ogen te zien. Als Asami Yamazaki eindelijk begint te acteren met haar eigen bureau, hoo boy krijg je totale horror. Beelden van op een naald gebaseerde marteling, verbrokkeling en het eten van lichaamsvloeistof die absoluut niet gegeten mag worden, komen in botsing met intense psychoseksuele obsessie op een manier die de kijker tot onderwerping dwingt. Dat is precies het doel van Yamazaki en Miike.

August Underground’s Mordum

  • Regisseurs / schrijvers / cast: Killjoy, Fred Vogel, Cristie Whiles, Jerami Cruise, Michael Todd Schneider

De meest schokkende films: Toetag Pictures van Fred Vogel is een onafhankelijk productiebedrijf en studio voor horrorfilms die bekend staat om zijn low-budget, grensverleggende werken van extreme cinema. Hun bepalende statement komt in de vorm van een brute, agressief nihilistische, found footage-trilogie van chaos, bekend als August Underground.

Alle drie de films gaan over een gevonden familie van seriemoordenaars die rondreist en beelden van elkaar schieten die hun ongelukkige slachtoffers ellendige vormen van marteling en dood bijbrengen. Alle drie de films zijn opgenomen in gekartelde, low-fi kwaliteit, wat resulteert in een esthetiek die net zo dicht aanvoelt als een letterlijke snuffilm als iemand in een verhalende speelfilm heeft geproduceerd.

Alle drie de films hebben maagkrakende realistische effecten en toegewijde acteurs die bereid zijn om wilde, wilde shit met elkaar te doen. Maar het tweede hoofdstuk, August Underground’s Mordum, is misschien wel het meest abjecte verontrustende van de partij.

Lichamen zijn niets meer dan anonieme kansen voor ziekelijke dissecties en corrupties, en het Toetag-team is meer dan bereid om alles in ons gezicht te schuiven, waarbij elke scène erin slaagt de vorige te overtreffen in zijn gruwelijke wreedheid. Is er een punt voorbij de chaos van de inhoud op het eerste gezicht? Dat is een vraag waarvan ik niet zeker weet of Toetag daarin geïnteresseerd is.

Cannibal Holocaust

  • Regisseur: Ruggero Deodato
  • Schrijver: Gianfranco Clerici
  • Cast: Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Luca Barbareschi, Perry Pirkanen

De meest schokkende films: Een beruchte horrorfilm uit 1980 die een fundamentele tekst is in het found footage-genre, werd regelrecht verboden in verschillende landen, resulteerde in de arrestatie van regisseur Ruggero Deodato en moest voor de rechtbank bewijzen dat de speciale effecten waren vervalst, hielp een golf van kannibalen op gang te brengen exploitation cinema, en beïnvloedde filmmakers in zijn kielzog (misschien het meest expliciet Eli Roth met The Green Inferno).

Cannibal Holocaust vertelt, in mockumentary-vorm, het verhaal van een groep antropologen die naar een dorp in de Amazone reizen om een ​​groep filmmakers te redden die daar zijn achtergebleven. Wanneer ze aankomen, ontdekken ze filmpjes met gruwelijke acties die zijn gepleegd door de kannibalistische inboorlingen, resulterend in een geknoopt, metatekstueel verhaal dat agressief porren in blank heiland, kolonialisme, de rol van sensationeel televisienieuws bij het verergeren van geweld, en zelfs de rol van de toeschouwer die deze film bekijkt.

Is Cannibal Holocaust nu alleen geïnteresseerd om deze punten met een onbetwistbaar, intellectueel inzicht te maken? Zeker niet. De getoonde afbeeldingen zijn, in niet-spaarzame details, duidelijk ontworpen om controverses te berechten, en in sommige reeksen van werkelijke dierenmishandeling kan het voor sommigen een regel zijn in doelloze tekst. Maar het valt niet te ontkennen dat Cannibal Holocaust veel aan zijn hoofd heeft, en het is bereid om wat geesten op te eten om te proberen zijn vele punten te maken.

De meest schokkende films: Eraserhead

  • Regisseur / schrijver: David Lynch
  • Cast: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates

De debuutfilm van de beruchte nachtmerrie-roerder / meteoroloog David Lynch, Eraserhead, komt waarschijnlijk het dichtst bij dat ik ooit heb gevoeld om in het informele, knagende surrealisme van een echte nachtmerrie in filmische vorm te leven. Met grimmige zwart-witfotografie en onverklaarbaar angstaanjagend geluidsontwerp vertelt Lynch het verhaal van Henry Spencer (Jack Nance), een zwakke en gevoelige man die leeft in een bizarre, post-geïndustrialiseerde apocalyptische samenleving.

Het leven wordt op zijn kop gezet door de aanwezigheid (of dreiging) van huiselijkheid, opvoeding, geslachtsgemeenschap en zelfs het hiernamaals. Lynch presenteert deze uitdagingen zowel met een verschroeiende huid kruipende stijl als helemaal geen stijl; terwijl het productieontwerp van deze film weergaloos is qua atmosfeer, komen veel van de beklijvende beelden van de film bijna per ongeluk voor, zonder commentaar op de sombere eigenaardigheid. Dit alles culmineert in de onthulling van een kind wiens gezicht controversieel blijft vanwege de methoden waarmee Lynch het mogelijk heeft gemaakt.

Op de een of andere manier maakt Eraserhead de dingen in ons onderbewustzijn die we niet kunnen spreken, door nauwelijks te spreken. Zing het met me mee: “In heaven everything is fine…”

Henry: Portrait of a Serial Killer

  • Regisseur: John McNaughton
  • Schrijvers: Richard Fire, John McNaughton
  • Cast: Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold

Als de eerder genoemde August Underground de thrash metal is van de “found footage seriemoordenaar familie horrorfilm”, Henry: Portrait of a Serial Killer is de rustige jazzimprovisatie. In de low-budget horrorfilm uit 1986 van John McNaughton is Michael Rooker de hoofdrol in de titelrol te zien. Rookers werk hier is verbazingwekkend, hij slaagt erin de spleten van de mensheid te vinden in een persoon die zo bedraad is om niets dan nihilistische, zinloze schade toe te brengen aan de mensen om hem heen, vooral degenen die iets durven te tonen dat lijkt op menselijke genegenheid.

Wat betreft de gevonden beelden van dit alles: Henry wordt niet volledig weergegeven met in-text-camera’s. Veel van de stillere, meer psychologische blauwe plekken in de film zijn opgenomen in een eenvoudige, scherpe 16 mm dekking, de kleuren van McNaughton voelen atypisch diep en luxueus aan voor zo’n goedkope, gruwelijke affaire. Maar de meest verrassend brute momenten van moorddadig bloedbad in de film – en, belangrijker nog, de angst die aan de uitbarstingen voorafging – worden in de tekst gefilmd door Henry en zijn team.

De terloopsheid van het bloedbad, de onvermijdelijkheid van een dergelijke moedwillige vernietiging is wat lang na het zien van Henry in de geest zal blijven hangen. Het is een portret van een seriemoordenaar en het portret van wat er kan gebeuren als we ons laten ontmenselijken en ongevoelig maken tot een punt waarop empathie onmogelijk is.

The Human Centipede 2

  • Regisseur / schrijver: Tom Six
  • Cast: Ashlynn Yennie, Laurence R. Harvey

Tom Six’s The Human Centipede, uitgebracht in 2009, had een rauw uitgangspunt dat onmiddellijk berucht werd, niet alleen onder extreme cinefielen, maar ook door het algemene filmlandschap. Wat als je een ‘menselijke duizendpoot’ zou maken door, weet je, de mond van mensen aan andermans kont vast te maken? Ik zou het je niet kwalijk nemen als dat uitgangspunt je doet giechelen, en het vreemd heldere kleurenschema en de charismatische uitvoering van de eerste film van Dieter Laser leunen op de toegankelijke, zwart-komische aard van dit alles.

Maar het vervolg, The Human Centipede 2, neemt elk gevoel van toegankelijkheid over en rijdt er met een auto overheen en verplettert zijn schedel. En ja, dat is helaas een hint naar iets dat in de film gebeurt.

Human Centipede 2 leent een vleugje Wes Craven’s New Nightmare en concentreert zich op Laurence R. Harvey die een geweldig geëngageerd optreden geeft als een aan ziekten lijdende man die geobsedeerd is door – houd jezelf vast – de film The Human Centipede van Tom Six. Deze gedurfde meta-keuze wordt tot zijn meest voor de hand liggende extreme verheven, aangezien Harvey, die een voorliefde heeft gekregen voor macaber bloed nadat hij grafisch met zijn beledigende moeder heeft gesproken, besluit om zijn eigen menselijke duizendpoot te creëren uit zijn eigen zeer, zeer amateuristische ‘medische benodigdheden’.

Zittend op de top van deze duizendpoot? Zet je schrap – Ashlynn Yennie, die ‘Ashlynn Yennie, ster van The Human Centipede’ speelt. Hoewel er iets onmiskenbaar boeiend en onverwacht zelfkritisch is met Six die in zijn mythologie over zichzelf vouwt, gebruikt hij dit meestal als een lanceerplatform voor afbeeldingen van onuitsprekelijke wreedheid in misselijkmakend vettig zwart-wit. De eerder genoemde “schedel-verpletterende” reeks gebeurt met een persoon waarvan je niet wilt dat het gebeurt; prikkeldraad wordt seksueel gewelddadig gebruikt; en een scène waarbij de menselijke duizendpoot betrokken is, eh, “eten” is niet voor de zwakke maag. The Human Centipede 2 voelt aan als de film waarvan iedereen verwachtte dat deel 1 zou zijn, in positieve of negatieve zin.

In a Glass Cage

  • Regisseur / schrijver: Agustí Villaronga
  • Cast: Günter Meisner, Marisa Paredes, David Sust

De meest schokkende films: Van alle verschillende subgenres van exploitatiecinema, is nazisploitatie misschien wel het meest enthousiast om taboes te doorbreken en in je gezicht te schuiven. Het rimpeleffect van psychoseksuele nazi-opwekkende horrorshows zoals Ilsa, She Wolf of the SS en Gestapo’s Last Orgy was te zien in prestigieuze foto’s zoals The Night Porter en in moderne werken zoals Rob Zombie’s Grindhouse-trailer Werewolf Women of the SS en het Amazon-programma Hunters. In een glazen kooi rijgt de nazisploitatienaald tussen ‘lege schokwaarde’ en ‘iets te zeggen’ moeizaam maar effectief, met daarbij ongebruikelijk atmosferisch filmmaken.

De persoon in de titulaire glazen kooi is Klaus (Günter Meisner), een voormalige nazi-arts die kinderen martelde, experimenteerde en gruwelijke daden van seksueel geweld pleegde tegen kinderen, zowel binnen als buiten de Holocaust, waar hij zich in Spanje heeft verbannen. In een aflevering waarin zijn demonen hem inhalen, probeert Klaus zelfmoord te plegen en dat mislukt, waardoor hij wordt geïncubeerd in een ijzeren long.

Een verpleegster met de naam Angelo (David Sust) biedt aan om voor hem te zorgen, maar hij is geen gewone verpleegster. Hij is een slachtoffer van Klaus, volwassen en gretig om niet alleen wraak te nemen op de nazi-dokter, maar ook zo letterlijk mogelijk in de identiteit van de nazi-dokter te wonen. Het resulterende verhaal is bestraffend, verontrustend en psychologisch fascinerend, een effectieve ontleding van de aanhoudende trauma’s en effecten die optreden voor zowel misbruikers als misbruiken.

De meest schokkende films: Inside

  • Regisseurs: Julien Maury, Alexandre Bustillo
  • Schrijver: Alexandre Bustillo
  • Cast: Béatrice Dalle, Alysson Paradis

Van de vele gewelddadige filmervaringen die zijn voortgebracht tijdens de filmbeweging uit de jaren 2000 die bekend staat als New French Extremity (Martyrs, Trouble Every Day, High Tension en meer Franse films die alles op brute wijze transgressief maken), blijft er geen zo gruwelijk aan mijn botten plakken als Inside (in Frankrijk bekend als À l’intérieur).

Het plot is niet eenvoudig: Sarah (Béatrice Dalle), een recente weduwe, is zwanger en alleen. En dan valt een vrouw die simpelweg ‘La Femme’ (Alysson Paradis) heet, haar huis binnen, geobsedeerd door het idee dat Sarah’s baby van haar is. En ze krijgt het op elke mogelijke manier. Het resultaat is een venijnig akelige, fysieke, diepgewortelde ervaring van abjecte wreedheid en zelfverdediging, agressief verwikkeld met psychologische provocaties van trauma, recht en moederschap – allemaal met een ongelooflijk zwangere vrouw. De laatste momenten van deze strakke, angstaanjagende film doen me tot op de dag van vandaag huiveren.

De meest schokkende films: Irréversible

  • Regisseur / schrijver: Gaspar Noé
  • Met: Monica Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel

Over New French Extremity gesproken, enfant verschrikkelijk Gaspar Noé, de auteur achter andere verontrustende werken zoals I Stand Alone en Climax, drukte zijn stempel op zowel die hedendaagse beweging als op het meer alomtegenwoordige uitbuitingssubgenre ‘verkrachting en wraak’ met de walgelijk grondige Irréversible uit 2002. In traditionele uitbuitingswerken in die vorm, zoals The Last House on the Left, I Spit on Your Grave of Thriller – A Cruel Picture, leren we een vrouwelijke hoofdrolspeler kennen, zijn we geschokt door het gemene seksuele misbruik dat ze doormaakt, en gerechtvaardigd als ze haar gewelddadige wraak neemt op haar mannelijke misbruikers.

Noé draait het script letterlijk om en presenteert dit verhaal in omgekeerde volgorde. De film begint met een vrij draaiende kakofonie van geluid, kleur, wervelend camerawerk en een akelig bloedbad, terwijl het stukje ‘wraak’ wordt ingeprent bij iemand waar we geen context over hebben (met name gepleegd door een vrouw die weer empowerment vindt, maar door een met woede vervulde man). Het is een brutaal stukje contextloos geweld om een ​​film mee te beginnen – en de volgende scène betreft een pijnlijke, bijna onzichtbare lange opname van de grafische verkrachting van Monica Bellucci’s hoofdpersonage voordat ze in coma raakt.

Nogmaals, Noé presenteert ons de typische beats van een verkrachting-en-wraakthriller, maar door hun volgorde om te keren, dwingt hij ons om de willekeurige aard van geweld en leegte van wraak te onderzoeken, of hij is een klootzak die een waardeloze film, afhankelijk van je mening. De rest van Irréversible toont “barmhartig” momenten van liefde, karakterontwikkeling en menselijkheid met betrekking tot Bellucci, maar het heeft allemaal een sombere, misselijkmakende bleekheid, een onderbewuste herinnering dat daden van kwaad inderdaad onomkeerbaar zijn, ongeacht de reden.

Man Bites Dog

  • Regisseur: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde
  • Schrijvers: Rémy Belvaux, André Bonzel, Benoît Poelvoorde, Vincent Tavier
  • Cast: Benoît Poelvoorde, Rémy Belvaux, Jenny Drye, Jacqueline Poelvoorde-Pappaert, Malou Madou, André Bonzel

De meest schokkende films: Van alle vele verontrustende films die ik in mijn leven heb gezien, heeft er maar één de kracht gehad om me snel vooruit te laten spoelen door een scène vanwege mijn eigen persoonlijke ongemak. Die film is Man Bites Dog, in zijn geboorteland België bekend als C’est arrivé près de chez vous (een interpretatie van de uitdrukking “It could happen to you”).

Vanaf de titel heeft de zwart-wit mockumentary (een andere fundamentele horrorfilm met found footage) zijn zinnen gezet op hoe we daden van geweld consumeren en vergoddelijken en hun “leuke” gevoel van angst, vooral in de nieuwsmedia. Een groep journalisten volgt een man genaamd Ben (Benoît Poelvoorde, verontrustend briljant). Hij is charmant, grappig en toevallig een productieve, sadistische seriemoordenaar. De journalisten willen hem en zijn steeds gewelddadiger wordende misdaden filmen met een gevoel van objectieve verwijdering.

Maar stilletjes, stiekem, misselijk, kunnen de journalisten niet anders dan actief deelnemen aan zijn misdaden, waarbij ze niet alleen nieuwsmedia over de hele wereld aanklagen, maar zelfs wij omdat we willen kijken en lachen (ja, lach, de film is vaak zwart-grappig ) bij een film als deze. Dit alles culmineert in een scène in het midden van bloedbad en de nasleep ervan die zo nonchalant, zo grafisch en zo zonder spijt wordt getoond, dat ik zou willen dat ik het in mijn hoofd kon zetten.

Melancholie der Engel

  • Regisseur: Marian Dova
  • Schrijvers: Marian Dova, Carsten Frank
  • Cast: Zenza Raggi, Carsten Frank, Janette Weller, Bianca Schneider, Patrizia Johann, Peter Martell, Margarethe von Stern

De beruchte Duitse filmmaker Marian Dova heeft talloze werken van meedogenloze walging gemaakt (google niet wat er gebeurt in Carcinoma, voor je eigen bestwil). Maar in Melancholie der Engel uit 2009 had hij misschien wel zijn, eh, ‘meesterwerk’ gemaakt. Met een straffende lengte van twee en een half uur, heeft Melancholie der Engel veel filosofische overpeinzingen in haar hoofd, die over het algemeen leiden tot een vorm van absurd nihilisme zoals beoefend door Katze (Carsten Frank), die gelooft dat hij het einde nadert van zijn leven.

Dus, in een poging om de grenzen van het bestaan ​​zo ver mogelijk te verleggen voordat het terloops verdwijnt, houden hij en een groep van, eh, “vrienden” zich bezig met steeds gruwelijker, explicietere, schijnbaar niet-gesimuleerde daden van verdorvenheid. Deze daden van menselijke degradatie, gefilmd in inherent lelijk uitziende digitale video, worden gefilterd door allerlei ‘grote ideeën’ met betrekking tot Dova’s filosofieën en katholieke idealen van schuld en verlossing, maar het is moeilijk om van deze film weg te lopen met een andere gedachte dan ‘ waarom?” Wat, denk ik, het punt is. Als je zou willen dat de Before-trilogie van Richard Linklater scènes had met stront eten, dan is Melancholie der Engel misschien iets voor jou.

Men Behind the Sun

  • Regisseur: T. F. Mou
  • Schrijvers: Mei Liu, Wen Yuan Mou, Dun Jing Teng
  • Cast: Gang Wang, Hsu Gou, Tie Long Jin, Zhao Hua Mei, Zhe Quan, Run Sheng Wang, Dai Wao Yu, Andrew Yu

De wreedheden van oorlog, in ellendige details weergegeven. Men Behind the Sun, van de Chinese filmmaker T. F. Mou, beschrijft de gruwelijke experimenten die Chinese en Siberische gevangenen tijdens de Tweede Wereldoorlog door keizerlijke Japanse militaire commandanten ondernamen met misselijkmakend groteske speciale effecten.

Naast de duidelijke viscerale stoornissen van de film, zijn er ook psychologische gevolgen, zowel binnen als buiten de tekst. Men Behind the Sun wil echte trauma’s en echte pijn onderzoeken, wil de grenzen van patriottisme en de glijdende schaal van nationalisme uitbeelden, wil de noodzakelijke boodschap overbrengen dat oorlog de hel is en altijd zal zijn.

Maar het wil ook een uitbuitende horrorfilm worden met omhullende bloederige effecten. Kan het beide kanten op? Verdient het? Als het lukt, is het dan nog onze tijd waard? Zijn er andere, meer smakelijke manieren om de gruwelen die andere mensen onder het mom van oorlog aan mensen hebben toegebracht te verteren en te verwerken? Of zijn botte berichten zoals deze echt, echt de enige manier waarop het aan onze hersenen kan blijven plakken?

De meest schokkende films: Nekromantik

  • Regisseur: Jörg Buttgereit
  • Schrijvers: Jörg Buttgereit, Franz Rodenkirchen
  • Cast: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lundt

De meest schokkende films: Snel raden – waar denk je dat Nekromantik over gaat, op basis van de titel alleen? Ding ding ding, correct! Het gaat echt, oprecht en ongegeneerd over het neuken van een lijk – en regisseur Jörg Buttgereit is echt, oprecht en ongegeneerd geïnteresseerd om alles te laten zien. De film volgt een stel, Rob en Betty (Daktari Lorenz en Beatrice Manowski), die gretig en morbide geïnteresseerd zijn tussen de kruispunten van liefde, seks en dood.

Rob werkt voor een bedrijf dat lijken opruimt van ongevalslocaties, en hij houdt ervan om souvenirs en trofeeën te bewaren voor hij en zijn vriendin om mee te spelen. Uiteindelijk stijgt dit tot het volledig stelen van een volledig lijk, wat uitloopt in een merkwaardige situatie waarbij het slechtste gebruik van een stalen buis die ik ooit in de bioscoop heb gezien, gepaard gaat.

Nekromantik, voor degenen wiens gevoel voor humor bereid is de sprong te wagen, ontgint eigenlijk een behoorlijke hoeveelheid zwarte komedie uit zijn bijna onbedrukbare uitgangspunt, speelt beats van romantische liefde en gekmakende jaloezie met wrange toewijding en aantrekkingskracht van buitenstaanders. Maar het weerhoudt de film er niet van om zich te verdiepen in de gemeenste afbeeldingen van menselijk vlees, en de eindmomenten zijn zowel verbazingwekkend als vreemd poëtisch.

Salò, of The 120 Days of Sodom

  • Regisseur: Pier Paolo Pasolini
  • Schrijvers: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti
  • Cast: Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Umberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Inès Pellegrini

De grootvader van de schokkende cinema, een schokkend stukje horror dat, ondanks (vanwege?) Zijn extreme inhoud, dat zeldzame stukje prestigieuze cinema-canonisatie heeft verdiend. Dat klopt, vrienden: je kunt Salò of de 120 Days of Sodom kopen in een chique Criterion Collection blu-ray-pakket, met zijn agressief grafische afbeeldingen van corrupt fascisme en dierlijke impulsen die in veeleisende, irritante details op hol slaan.

Pier Paolo Pasolini’s laatste film voor zijn moord, Salò is in gelijke mate geïnspireerd door Marquis de Sade’s The 120 Days of Sodom, een invloedrijk werk over de grenzen en breekpunten van menselijke degradatie en seksualiteit en de echte gruwelen die tijdens de Tweede Wereldoorlog door een fascistische Italiaanse regering zijn toegebracht.

Talloze jonge mensen worden gemarteld, verminkt, gedwongen om onuitsprekelijke daden tegen elkaar te verrichten en vermoord op een manier die alleen lijkt te bestaan ​​om de steeds griezeliger grillen van hun onderdrukkers te bevredigen. Salò is brutaal, waarvan ik niet zeker weet of iemand het kan ‘aanbevelen’.

Het is een film die de dunne grens tussen menselijkheid en kwaad blootlegt onder auspiciën van hiërarchische machtsstructuren, een film die laat zien hoe diep wreedheid kan lopen. Het is niet ideaal om tijdens het eten naar te kijken.

The Snowtown Murders

  • Regisseur: Justin Kurzel
  • Schrijvers: Shaun Grant, Justin Kurzel
  • Cast: Daniel Henshall, Lucas Pittaway, Louise Harris

The Snowtown Murders, gebaseerd op een serie moorden uit het echte leven in Adelaide, Australië, is een ondragelijke langzame verbranding, een blik onder de vervallen microscoop van disfunctionele kleine dorpsgemeenschappen, een kruising tussen Harmony Korine en Michael Haneke, een woeste debuutfilm voor regisseur Justin Kurzel.

Vastbesloten om zijn gemeenschap te verlossen van de expliciete dreiging van pedofielen en homoseksuelen, die hij meer dan bereid is op giftige wijze samen te brengen, werft John Bunting (een angstaanjagende Daniel Henshall) een groep mensen uit de lagere klassen, waaronder het slachtoffer van seksueel geweld Jamie Vlassakis (een hartverscheurend Lucas Pittaway), om degenen te vinden, te martelen en te vermoorden die het verdienen.

Het frame van Kurzel is zowel onopvallend als verontrustend stijlvol, en gebruikt zowel de kracht van expliciet bloedbad als impliciete terreur om constant een schroevendraaier in het lef van de kijker te duwen. Psychologisch gezien laat Snowtown nooit iemand van de haak – niet de daadwerkelijke pedofielen die worden vermoord, niet de kijkers die die actie op de een of andere manier rechtvaardig vinden, niet Jamie die onder de heerschappij van deze nieuwe verleidelijke figuur valt, en zeker niet John Bunting zelf.

Het is grimmig, grimmig, grimmig spul, een film die de meest basale en gemene van de menselijke natuur verkent op manieren die je empathie zullen geven, en vervolgens een douche nodig hebben.

Tetsuo: The Iron Man

  • Regisseur / schrijver: Shinya Tsukamoto
  • Cast: Tomorowo Taguchi, Kei Fujiwara, Shinya Tsukamoto

Als je Black Mirror storend vindt, heb je nog niets gezien. Tetsuo: The Iron Man is een keiharde film. Het is een experimentele, zwart-witnachtmerrie in dialoog met soortgelijke cultklassiekers zoals de eerder genoemde Eraserhead of Begotten. Het is minder geïnteresseerd in een smakelijk sci-fi-verhaal dan in een onopvallende verkenning van de stemming. En de ‘stemming’, met dank aan de beruchte Japanse cultfilmmaker Shinya Tsukamoto, is ‘somber’.

Tetsuo is technisch gezien een cyberpunkfilm. Cyberpunk-fictie is geïnteresseerd in de vermenging van mensen met cybernetische verbeteringen. En Tetsuo: The Iron Man neemt die impuls en katapulteert het naar zijn uitgekristalliseerde uitersten, waarbij alle andere delen worden verwijderd voor het pure doel van ‘man plus metal’. De ‘man’ van deze vergelijking, gespeeld met hypnotische obsessie door de regisseur van de film, beschouwt stukken metaal als gewelddadige fetisjobjecten die zo vol mogelijk van onze lof en fusie verdienen.

Maar wanneer een salarisman (het Japanse woord voor “witte-boordenwerker”) gespeeld door Tomorowo Taguchi letterlijk metaal begint te laten ontspruiten als het hoogtepunt van zijn gewelddadige dromen en werkelijkheid-vervagende fantasieën, staan ​​de twee op een meedogenloos nihilistische manier tegenover elkaar.

Tetsuo: The Iron Man zit boordevol verontrustende beelden, vooral wanneer de titulaire Iron Man en zijn volledig menselijke vriendin (Kei Fujiwara) proberen te copuleren, ook al is hij, weet je, een Iron Man. Maar het is geen shock omwille van de shock – Tsukamoto heeft veel aan zijn hoofd, en elk facet van zijn koortsdroom, van de grimmige handgemaakte make-up-effecten tot de smeary 16 mm camera, spreekt in dienst van zijn ultieme stelling: de fusie van technologie en het menselijk ras zal ons allemaal totaal vernietigen.

Bekijk ook:

 

Leave a Reply